Me ha costado bastante, pero por fin:
Escribí para el blog privado que tengo con mis amigas artistas de la pista (ninguna somos artistas, pero trabajamos, estudiamos, sufrimos y disfrutamos en el mundo del arte) una entrada sobre el congreso de estética en Madrid.
Aquí comento solo dos de las conferencias, tengo que sacar tiempo para escribir para ambos blogs lo que tengo de las otras conferencias, pero me toma tiempo porque es mucho y bueno.
Vamos a darlo todo:
En primer lugar diré que fue bastante interesante y que estábamos en familia, ya os puede decir elisa que estábamos los que éramos y éramos los que estábamos, osea, la UAM y dos colgaos de la Complu.
La conferencia del primer día fue muy interesante, pero densa. Luigi Russo leyó su conferencia sobre neoestética, un concepto que ha desarrollado él mismo. Interesante, pero de verdad costaba, hacía referencia al arte como única manera de salvar el dolor, la relación pasión-emoción que nace a raíz del arte. Si os digo la verdad, no puedo (me limitan mis conocimientos previos) aprovechar mucho más la conferencia al márgen de un par de frases bellas escogidas de su discurso.
Al día siguiente me enamoré de Nina Montmann y de su conferencia " Transformación del papel y la función del arte en el mundo (del arte) globalizado".
Moderaba (btw) Paca Pérez Carreño.
Montmann hizo un análisis de los formatos de las instituciones y planteaba una serie de preguntas: ¿Qué esperamos de una institución artística?
Y desarrollaba la idea de la institución ideal: una que abandone su lado político. Han de ser instrumentos o plataformas de orden prevalente.
A partir de esto observa la realidad: Las instituciones de arte no participan directamente en los procesos políticos, en su lugar reciben un encargo directo de las imágenes que deben reproducir, o la creación de un espacio imaginario, y esto se recompensa con los presupuestos de cada año.
Se observa entonces una creciente tendencia al corporativismo en las dependencias artísticas, useasé, patrocinadores, poner lo que el público quiere ver, ventas de "merchandasin"... Bueno, el corporativismo de hoy se basa a todas luces, cada vez más en técnicas semióticas, así que tampoco le voy a dar mucha coba a esta parte.
Si observamos el origen de los museos, la idea inicial era reatratar una herencia nacional, para crear un público orgulloso de la nación, así que el objetivo era la legitimación autoritaria del Estado-Nación.
Hoy en día en cambio se está extendiendo la idea del museo-franquicia, hoy el público ideal es una masa anónima frente al sector burgués que formaba el público que he mencionado antes.
Un ejemplo de estos museos-franquicias es el Guggenheim que Eliseitor conoce muy bien, en este tipo de museos el público se asocia más con la marca que con la programación del museo. La mayor parte (el 91% por lo visto) no sabe qué se va a exponer cuando llega a las puertas. Directamente se fia y se lo traga. Esto en mi opinión tiene mucho que ver con el video de Castro que ha colgado elen con otra conferencia que hubo de la que hablaré luego.
El caso es que esta mujer puso un par de ejemplos de centros de arte alternativos a la "Institución" y tal, en estocolmo, combia, en los que montan centros de arte en barrios marginales, o periféricos dónde se encuentra gente que no se siente aceptada en los museos grandes, y por lo tanto se crean estos que muestran a artistas de la zona y reflejan el ámbito en el que están a través de las exposiciones, acercándo así el arte a estos sectores, a los que no se dirige generalmente las exposiciones de las Instituciones. Son formas alternativas de tratar la localidad.
Esta mujer concluía pensando que la instituciónd ebe ser un lugar para que el público piense y actúe, debe de estar más cerca de la investigación. Los artistas además deben participar tomando decisiones de las que se toman entre bambalinas. Pensando en una institución ideal es la que deja espacio para las decisiones comunes.
Por lo tanto, Nina Montmann hace una distinción que a mí me parece super interesante entre comunidad y colectivo; la comunidad es el ser, y el colectivo hace, y en este tipo de espacios de creación /lo que sean se encuentran ambos pero no se fusionan.
A ver, a mí todo lo que contó y los ejemplos que puso y tal, me encantaron, es el tipo de centro con el que trabajo. Pero me surgió la duda, total que pregunté (no veas si lo pasé mal allí con el micro y toooooda la sala girada hacia atrás mirándome...). Yo pienso, por la experiencia que tengo con estos centros de creación a los que acudo en busca rebusca de artistas emergentes, que la idea es muy buena, pero un poco guetto. Demasiado endogámico en mi opinión, el problema para mí y creo que para algunos de los artistas que se desarrollan en esos centros, es que es dificil salir de ahí. No sé si es peor el remedio que la enfermedad. Me explico:
Muchos centros están en zonas a las que el gran público no va. Eso es en parte porque gente de esas zonas (periféricas, marginadas, pueblos, lo que sea) no se suelen sentir agusto en el ámbito del super museo, y por lo tanto tampoco se sienten agusto otras personas al ir a estos centros que son super endogámicos, con artistas de la zona, expos muy relacionadas con la zona y la comunidad...en fin, puede llegar a darse el problema de que se le de al guetto su propio museo y listo. Se encierren más.
Bueno, yo comenté eso, que el problema que había observado en este tipo de centros es que son muy cerrados en la comunidad y para la comunidad, el acceso suele ser difícil y a los artistas les cuesta salir.
Su respuesta fue que la comunicación y cooperación entre estos centros es crucial (becas, intercambios, estancias...), pero en mi opinión el problema no es salir de ese centro concreto, si no salir de ese nivel de centros "marginales" pero pasé de seguir contestando.
Aun así, suuuuper interesante. Buscaré pronto referencias y os las pasaré.
Las siguientes vendrán por fascículos, pero estad pendientes porque queda entre ellas la más interesantes y la que más polémica creó, la de Marc Jiménez sobre la Crisis en el mercado del arte.
Nos encanta todo.
